¡El papel lo aguanta todo!

El papel y sus infinitas posibilidades en el arte fue el tema de una interesante charla que la artista plástica Alicia Viteri ofreció en el marco de la exposición El papel como protagonista presentada en Soho Mall por la Fundación Arte Panamá.

“El papel ha sido uno de los inventos que más ha contribuido en la evolución humana”, señaló Viteri. Y es que “desde su origen, ha servido para poder transmitir el conocimiento y la información entre las diferentes generaciones”.

La fabricación de soportes para escribir era muy elaborada y costosa. Pero con el nacimiento del papel tal y como lo conocemos actualmente, las cosas fueron cambiando.

El papel es papel desde el año 105 después de Cristo. Crónicas chinas establecen a Cai Lun como el creador de este soporte, mucho más funcional y más económico que el bambú o los retazos de seda. Este producto se mejora y se difunde por Asia. En el siglo VIII, través de los árabes, al secuestrar estos una fuerza expedicionaria china, que incluía unos fabricantes de papel. Esta expedición se dirigía a la ciudad de Samarcanda (ruta de la seda), que durante más de un siglo tuvo el monopolio de fabricación del papel y fue centro de la vida cultural de Asia musulmana.

De entonces a la fecha la fabricación del papel ha sufrido modificaciones, cambios y mejoras para ofrecer al día de hoy un sinfín de variedades texturas, colores y dimensiones. Elegir el más adecuado para cada trabajo es una tarea interesante, Así puede utilizarse como una obra per se, destacando sus arrugas, creando figuras con pequeños trozos (collage), o utilizando la técnica del papel mache, con la que se realizan esculturas a base de papel mojado con otros elementos.

El francés Henri Matisse desarrolló la técnica llamada kirogami, dibujando con tijeras,a pesar de su dolorosa artritis, y qué decir de la tradicional técnica del origami japonés, que consiste en doblar el papel sin usar tijeras ni pegamento para obtener figuras de formas variadas.

A lo largo de la historia y con el uso de distintos materiales se desarrollaron las llamadas artes gráficas tradicionales. El grabado en madera, utilizado inicialmente para ilustrar textos o imprimir telas fue elevado a arte por artistas como Durero y Rembrandt. Con el grabado sobre metal no hay más que mencionar los magistrales trabajos d e Francisco de Goya. “Produjo una obra que transformó la visión del arte, con un estilizado modernismo en sus imágenes y el aspecto crítico de su obra . Sus series “Los caprichos” y “La Tauromaquia” se dieron a conocer en 1816”, destacó Viteri. Los desastres de la Guerra, considerados su obra cumbre fueron publicados después de su muerte.

El aguafuerte fue remplazado por el grabado en cobre, una técnica con mayores posibilidades como método de ilustración más común: hojas de anuncios y reproducciones. Luego surgieron los periódicos ilustrados, la litografía, la fotografía, el cartel. Y con la revolución industrial a finales del siglo XIX, surgen los originales múltiples que tornaron el arte más asequible a todo público”.

Grandes ejemplos, el japonés Hokusai, “un artista magistral que capitalizó todas las técnicas de xilografía y serigrafía quien nos recuerda permanentemente que el arte es un constante aprendizaje, para que así la vida tenga un verdadero sentido”.

En Francia, Henri de Toulouse Lautrec, influenciado por Degas y las estampas japonesas y encantado por la litografía se convirtió en el mejor cartelista de la vida nocturna parisina. “Sus modelos preferidos eran los enanos, payasos y bailarinas”, informa la artista. El español Picasso realizó una vasta producción en todas las técnicas gráficas. “Combina el agua fuerte, el agua tinta, la punta seca creando sus imágenes picassianas llenas de pasión, erotismo y humor”. Por último, Jim Dine, uno de los más notables artistas norteamericanos concentró la mayor parte de su obra en la litografía y el grabado utilizando como modelos objetos y artículos de su taller.

En 1980 Alicia Viteri inició un taller de grabado con artistas panameños seleccionados por el entonces Panarte (hoy, Museo de Arte Contemporáneo). El resultado de esa experiencia fue la creación de La carpeta 11 Grabados, donde 11 artistas trabajaron una plancha y con este aporte, levantaron fondos para la enseñanza y la divulgación de las artes gráficas aún incipientes en Panamá. Los participantes fueron Guillermo Trujillo, Alfredo Sinclair, Antonio Alvarado, Julio Záchrisson, Coqui Calderón, Manuel Chong Neto, Eduardo Pérez ,Juan Dal Vera, Tabo Toral, Luis Aguilar Ponce y Alicia Viteri.

De esos años destacan los grabados de Julio Zácchrisson, en especial “Chaflán”. “La obra de Julio respira, vive. Nos introduce a un mundo particular : lo esencial de ser Panameño, con la magia que solo él proyecta, con la factura maestra del dibujo inmediato, sin esfuerzo, transmitiendo la autenticidad que define el gran arte de todos los tiempos”, dice Viteri.

Los artistas panameños tuvieron la oportunidad de recibir clases de Humberto Giangrandi, italiano radicado en Colombia.

La serigrafía, técnica de impresión artesanal que parte de planchas de color hechas por el artista, impresas en un bastidor de seda a través del cual se pasa la tinta, exige la preparación de una matriz diferente para cada color. A través del Museo de Arte contemporáneo se contó con la participación del colombiano Pedro Alcántara quien dictó clases a los panameños.

Esta técnica fue muy utilizada en el pop art, sobre todo, las de Andy Warhol. En Panamá, Viteri destaca los trabajos de Tabo Toral que “destacan imágenes geométricas de gran colorido y humor”.

En cuanto al dibujo artístico, este se puede llevar a cabo “a mano alzada”, o sea, “sobre la marcha, sin preparativos ni correcciones”. También a lápiz. “la primera técnica que se aprende, consiguiendo en el papel lo que se quiera con el conocimiento de las bondades de cada lápiz y la elección del papel donde se hace el dibujo.

Le sigue la tinta, ya sea con plumilla o pincel. Viteri menciona a Guillermo Trujillo, quien “no deja de crear con la plumilla una extensa producción de dibujos manejados con libertad ,agilidad y estética, usando un tejido minucioso para crear, luces y sombras, volúmenes de figuras y vegetaciones fantásticas”.

Otra técnica que utiliza papel como soporte es la acuarela. “Entre los artistas europeos, la técnica de la acuarela sucedió al fresco. El agua es un componente muy importante en esta técnica ya que, de acuerdo a la cantidad utilizada, se obtienen colores más o menos transparentes”, destaca.

En cuanto al pastel, se refiere Viteri a las obras de Brooke Alfaro, para quien “no hay reto mayor en el arte que el de producir cada vez una obra mejor ,logrando una calidad donde descubrimos al gran dibujante que tenemos, en todas las técnicas con un alto estándar de estética y creatividad”.

La fotografía, medio que destacó como el principal de las artes en el siglo XIX nació como el procedimiento que permite fijar y reproducir imágenes, a través de reacciones químicas y en superficies preparadas para ello, las imágenes que se recogen en el fondo de una cámara oscura, pero que con la revolución digital, el almacenamiento de la imagen y posterior manipulación se realiza a través de sistemas electrónicos. Aunque los procedimientos han variado, los resultados continúan midiéndose no tanto a través de ellos, sino en la creatividad de la propuesta y el concepto del trabajo.

“Sandra Eleta tiene una magia especial para volverse invisible ante el objetivo a fotografiar, logrando regalarnos una imagen llena de humanidad y poesía”, resalta Viteri.

El recorrido llega al arte digital, que “junta toda obra artística que haya sido creada por un medio digital, principalmente usando el computador, es decir, es una obra que se elabora a partir de una tecnología informática”. La posibilidad de crear, según los artistas de este estilo de arte no hay gran diferencia entre una paleta gráfica de un pincel. “Comparándola con la gráfica tradicional, las pruebas de estado en el proceso de un grabado, una litografía o una serigrafía son exactamente iguales a los layers en programas de computación”, establece la artista quien elaboró toda una propuesta denominada “Memoria digital”.

El recorrido finaliza con la caricatura, “un retrato que exagera o distorsiona la apariencia física de una o varias personas en ocasiones un retrato de la sociedad reconocible, para crear un parecido fácilmente identificable y, generalmente, humorístico”.

Sin embargo, no es el final de la historia. “La nobleza y diversidad del papel permite que se puedan hacer infinidad de cosas más, de acuerdo los deseos de cada artista, pues ya sabemos que el papel lo aguanta todo”, concluye Viteri.