Farayi Malek: 'El jazz ha influido en la progresión de la igualdad'

Farayi Malek es vocalista, compositora, arreglista y educadora de jazz e improvisación contemporánea. Actualmente reside en Eugene, Oregón, Estados Unidos. Este año, la jazzista estadounidense participó por tercera ocasión en el Panamá Jazz Festival, en su XVIII. Consciente de la situación sanitaria a nivel mundial, afirmó a La Estrella de Panamá que “la pandemia ha afectado a la industria del jazz para siempre”. Malek, quien recibió una maestría en interpretación contemporánea en el Berklee Global Jazz Institute en 2018, aseguró que “las escuelas de música necesitan priorizar el emprendimiento y la participación social en sus comunidades”. En esta ocasión, Malek, quien fue embajadora global de jazz de Berklee en el Festival de Jazz de Panamá 2018 y en 2019 regresó como vocalista, nos habla sobre cómo visualiza el futuro de este género musical en los próximos diez años, así como también sobre su vida en el ámbito musical. “Un músico del siglo XXI es un empresario artístico, y las instituciones necesitan reconocer y apoyar esta realidad a un nivel mucho más profundo”, dice.

La pandemia ha afectado a la industria del jazz para siempre. Varios clubes legendarios han cerrado, no podemos tocar juntos, y no podemos escuchar de la misma manera. La parte que es única en la industria del jazz es que somos improvisadores. No podemos improvisar en tiempo real sobre Zoom juntos. Creo que para muchos de nosotros, parece que nuestras vidas están en pausa. Sin embargo, dentro de unos años, creo que miraremos hacia atrás y sentiremos gratitud por cómo la situación nos ha hecho pensar de manera diferente sobre el género y cómo lo presentamos al mundo. No podemos ser insulares; tenemos que preocuparnos por lo que el público está pensando, sintiendo y experimentando, más de lo que lo hemos hecho en el pasado. No podemos simplemente estar en nuestros propios mundos pequeños como muchos de nosotros solíamos estar. Tenemos que preocuparnos más. Tenemos que interactuar con nuestras comunidades. Tenemos que hacer música que le importe a la gente, o el jazz morirá y no tendremos trabajo.

No puedo hablar por todas las escuelas, pero en general, creo que hay algunos problemas con la forma en que se enseña música en muchos programas. Un gran problema en la educación del jazz es la falta de programas vocales, y la separación de vocalistas e instrumentistas dentro de los programas. Esto perpetúa la noción de que los vocalistas “no son músicos reales”, lo que no podría estar más lejos de la verdad. También contribuye a la cuestión del sexismo y la misoginia, porque muchos vocalistas dentro del género son mujeres. Creo firmemente que en el jazz y en los programas contemporáneos, los vocalistas deben ser enseñados junto a los instrumentistas y tener el mismo trato y expectativas. Este es un aspecto de los dos programas a los que asistí que realmente aprecié. Tanto en el Conservatorio de Nueva Inglaterra como en el Berklee Global Jazz Institute, siempre me trataron como a cualquier otro músico y creo que estas escuelas están a la vanguardia de fomentar un entorno más positivo, inclusivo y equitativo para sus estudiantes. Otro tema que veo en las instituciones es la falta de preparación para trabajar como músicos profesionales en el siglo XXI. No es suficiente ser solo un músico experto; usted debe ser capaz de usar muchos otros sombreros también. Es vital enseñar sobre otras maneras de ganarse la vida en esta industria que no sean giras y actuaciones. Muchos estudiantes entran en la escuela pensando que serán intérpretes a tiempo completo, algo que no es la realidad para la gran mayoría de los músicos de jazz o cualquier otro género. Creo que las escuelas de música necesitan priorizar el emprendimiento y la participación social en sus comunidades. Una clase de emprendimiento de un semestre no es suficiente. Debería ser una parte integral de un currículo de cuatro años de pregrado. Hay tan pocos trabajos para músicos que tenemos que crear los nuestros, y creo que muchos músicos dejan la escuela sintiéndose impactados por esta realidad. Debemos aprender mientras estamos en la escuela a involucrarnos socialmente –a conocer y entender lo que está sucediendo en nuestras comunidades–, y a hablar tanto personal como musicalmente sobre estos temas. Tenemos que aprender a usar las redes sociales para interactuar con una audiencia en línea. Hay que aprender a colaborar con otros músicos fuera de un formato de conjunto. Un músico del siglo XXI es un empresario artístico, y las instituciones necesitan reconocer y apoyar esta realidad a un nivel mucho más profundo.

Veo el futuro del jazz influenciado más por otros géneros de música. Veo individuos ahondando en su propia cultura, y sacando eso a través de la música. Creo que un gran ejemplo de hacia dónde va el jazz está sucediendo en el Berklee Global Jazz Institute bajo la dirección de Danilo Pérez. Cada artista que pasa por el programa tiene su sonido único, arraigado en su propio yo artístico. También veo más trabajo interdisciplinario sucediendo con otros medios como las artes visuales, la danza, el cine y más. Creo que ha habido momentos en la historia donde el jazz ha sido insular y difícil para otros fuera de la comunidad, relacionarse o participar activamente. En mi opinión, esto es antitético a la libertad que el jazz pretende hacerte sentir y veo a muchos músicos jóvenes presionando contra esto al traer otros sonidos e ideas al medio que lo hacen más atractivo para una gama más amplia de oyentes.

Gracias por decir eso. Todavía siento que estoy empezando. Mi familia y amigos son muy importantes para mí; me mantienen en tierra. Creo que también es importante tomar descansos. No hice mucha música el año pasado, pero necesitaba ese tiempo para reagruparme y evaluar lo que quería para mí. Esta es una parte natural y saludable de la vida, especialmente para alguien en sus primeros veinte años. Creo que es importante tener actividades y diversión fuera de la música. Me encanta pasar tiempo con mi pareja y mi perro, hacer ejercicio, cocinar, ver programas de televisión y jugar. Es importante encontrar el equilibrio en la vida y creo que mucha gente, especialmente en las artes, lucha con esto. También me encanta enseñar. Además de trabajar en tres escuelas de música diferentes, tengo mi propia escuela preparatoria de música en línea llamada Allegro Virtual Preparatory Instruction, donde nuestra misión es proporcionar a los estudiantes el más alto nivel de preparación para el estudio de la música en la educación superior, con el fin de maximizar la admisión, la financiación de becas, y las habilidades fundacionales para el éxito y la mayor creatividad. No hay sentimiento más grande que transmitir lo que he aprendido, y ver crecer a un estudiante. Esto me mantiene muy ocupada.

Sabía que quería estudiar música profesionalmente desde que era una niña. A mi mamá siempre le ha gustado el jazz, así que lo escuché pasivamente durante mi infancia, pero no me interesé hasta que estuve en el instituto. Fue Justin Nielsen, mi colaborador en este concierto, quien me introdujo por primera vez en el estudio más profundo del género a los 13 años, pero fue hasta los 15 o 16 años que realmente me encantó. Curiosamente, el jazz no fue algo natural para mí. Fue algo que me llevó mucho trabajo. Mi verdadera pasión es escribir y arreglar música, y sentí que la mejor educación que podía obtener era a través de un programa de jazz. La historia, el entrenamiento auditivo y la armonía que aprendes estudiando jazz no es como cualquier otra cosa. Sabía que quería tener esa influencia en mi música. Actualmente no tengo ningún disco o singles, pero espero que el próximo año sí.

Hay muchos artistas que han influido en mi vida artística, pero dos de mis mayores influencias son Billie Holiday y Stevie Wonder. Billie Holiday por su sonido, fraseo y entrega, y Stevie Wonder por su escritura, arreglos y conexión con el público. Él es un ejemplo de un músico que es profundamente técnico, y sin embargo relacionable. No permite que los aspectos teóricos de la música se interpongan en el camino de los sentimientos que la música debe traer. Admiro esto y lucho por ese sentimiento dentro de mi propia escritura.

Creo que el jazz trata más sobre la libertad. No solo la libertad física sino la libertad de pensamiento y expresión. Esto es algo con lo que la gente de todo el mundo puede relacionarse y la razón por la que creo que se ha extendido tanto. Creo que el jazz ha influido en la progresión de la igualdad en muchas partes del mundo, y ciertamente en Estados Unidos.

Sí, hay desigualdad de género en la industria musical en general. El jazz es particularmente tóxico en este sentido. Es un gran problema y cambiar esto es una de las metas más importantes de mi vida. Es difícil hablar de esto, pero creo que hay músicos que han sido idolatrados o deificados de una manera que se extiende más allá de su virtuosismo musical, y de todo lo que son. Por mucho que aprecie y admire a los grandes del jazz, algunos de ellos no eran grandes personas. Tenemos que reconocer los aspectos oscuros, peligrosos y tóxicos de esta industria porque si pretendemos que no están allí, nunca cambiará. Debido a que el comportamiento misógino no fue controlado durante tanto tiempo, el maltrato de las mujeres se volvió normal, desde borrar a las mujeres del linaje de la historia del jazz, hasta tratarlas como de segunda clase en la industria hoy. Ahora tenemos situaciones donde las mujeres son maltratadas o ignoradas en entornos conjuntos o en instituciones frente a maestros, líderes de banda, productores, etc., y nadie dice o hace nada al respecto. Esto me ha pasado más veces de las que puedo contar. Les ha pasado a casi todas las amigas que tengo en la industria y tiene que parar. La baterista ganadora del Grammy Terri Lyne Carrington fundó el Instituto de Jazz y Justicia de Género en Berklee, donde trabajan para combatir esta toxicidad. Este es un paso adelante increíble y espero que veamos más programas como este en los próximos años.

Lo he dicho un par de veces, el jazz a veces ha parecido insular. Mi percepción es que algunos músicos de jazz han tocado y han consentido a otros músicos (y a sí mismos), sin considerar a una audiencia más amplia, o cómo la música se escucha o se percibe por la persona promedio. En general, a la gente no le importa lo complicada que sea tu música, cuantas veces cambies el compás, qué tan rápido puedas tocar o qué escalas complicadas estés tocando sobre una melodía. La gente quiere sentir algo cuando escucha música. Todos los aspectos teóricos y técnicos son herramientas que nos ayudan a evocar sentimientos en nosotros mismos y en nuestro público, pero la técnica y la teoría por sí solas no son música. Creo que en el pasado algunos músicos de jazz han perdido de vista eso, pero creo que esto está empezando a cambiar. Dado que la gran mayoría de los músicos de jazz son hombres, sí, diría que esto es en parte una cuestión de machismo, pero diría que también es una cuestión de ego. Creo que en el jazz pensamos demasiado en nosotros mismos y muy poco en los demás.

Improviso en mi vida todo el tiempo. Creo que la espontaneidad es tan importante como la estructura. Improvisar es emocionante y eleva mi espíritu.